Maribel Orgaz - info@leerenmadrid.com
Víctor Hugo lo tenía claro, y así lo escribió en el prologo de Nuestra Señora de París, si la novela que acabas de escribir no te convence, no intentes mejorarla. Según él, no tiene arreglo:
"Una novela nace con todos sus capítulos, un drama con todas sus escenas (...). El injerto o la soldadura agarran mal en obras de esta naturaleza. Una vez terminada no cambie de parecer, no siga retocándola. Una vez que el libro está publicado, que la criatura ha proferido el primer grito pertenece al aire y al sol, déjala morir o vivir como es. ¿Tu libro ha resultado fallido? Resignación. No añada capítulos a un libro fallido. (...). ¿Su novela está tísica? ¿No es viable? No le insuflará el aliento que le falta. ¿Su drama nació cojo? Hágame caso, no le ponga una pata de palo".
Sin embargo, aquí tenemos ejemplos de lo contrario: quitar un capítulo completo de La Catedral del mar como explica Ildefonso Falcones o Muriel Barbury y su superventas, La elegancia del erizo que tras escribir más de 200 páginas con sólo un personaje, comenzó a reescribirla.
Al leer este poemario de nuevo surge la pregunta de qué es, entonces, la poesía.
Óscar García Sierra, poeta -
La verdad que no tengo ni idea de lo que es. Pero estoy bastante seguro de que
no es nada parecido a las definiciones que intentan dar académicos, escritores,
etc. Cualquier intento de definir las cosas me resulta bastante pesado. Si leo
algo y me gusta, o si escucho algo y me gusta, me lo guardo y ya está. No
intento entenderlo ni definir con palabras más complejas. Sé que hay gente
que lo hace y que se gana la vida con ello. Pero ese rollo no va conmigo.
Sus poemas están escritos a base de tuits o versos apuntados en su móvil ¿nuevas formas de
componer generan nuevas formas poéticas?
Claro. A estas alturas lo importante es crear. Al menos es a
lo que yo presto atención. Me da igual que lo hagas en papel y lo llames poesía
o lo cantes o lo pintes. Por eso me preocupa muy poco que la gente diga que lo
que hago no es poesía. Para mí no es más que una etiqueta. Es ridículo (en el
sentido guay) que podamos escribir un libro o grabar una película desde el
móvil, estando de fiesta o en la sala de espera del médico. Y claro, nuevas
formas de componer generan nuevas poéticas. 100%. De la misma manera que los
avances científicos y tecnológicos generan beneficios es la mayoría de ámbitos
de la vida cotidiana, ¿por qué no iban a hacerlo en la literatura y el arte? Ya
era hora, la verdad.
Podría indicar qué
poetas lee o le han influido.
Más o menos las tres categorías abarcan a los mismos. La
mayoría de escritores que me gustan están vivos. Martín Rángel, Augusto
Sonrics, Caterina Scicchitano, Kanye West, Kid Cudi, Lil B. Young Thug.
Fernandito KitKat. Luna Miguel, Vicente Monroy, Miguel Rual, Jordan Castro,
Pablo Robles, Heiko Julien, Sam Pink.
En su opinión, cuál
es el mayor inconveniente o dificultad para la creación poética o para un poeta
hoy en día.
Que le importe la opinión de los demás y no se atreva a escribir
como le dé la gana.
Poetry Slam,Poesía oBarbarie. Eventos llenos de público. ¿A qué cree que
es debido el auge o el interés de la poesía?
A mí la verdad es que me dan un poco igual. No me gusta leer
en público así que no voy a esas cosas. Pero respeto a la gente que los
frecuenta, y me gustan muchos poetas, sobre todo de USA, a los que no he leído
nunca en papel pero sigo a través de este tipo de eventos. Supongo que su éxito
se debe a que son bastante democráticos y se salen un poco del control de los
académicos.
La poesía española ha
sido acusada de ser hasta hace bien poco rígidamente formal, quizá porque lo
nuevo, lo interesante y lo fresco está ocurriendo al margen de lo académico.
La verdad que el panorama cultural me preocupa poco. Por lo
que me toca, creo que si eres un escritor joven la cosa está mejor en otros
países como México o Argentina. Y gracias a Internet puedo ser de donde quiera,
más o menos. Pero eso es para mí gusto. Creo que en España muchos escritores
jóvenes tienen más intereses en común con esos académicos que conmigo o mis
amigos, así que es normal que los que hacemos cosas diferentes seamos los que
tenemos que hacernos hueco. Aunque a mí y a mis amigos la opinión de esos
círculos nos da un poco igual.
----------------------------------------------------------------------------------------- PRIMER ACTO - Teatro, Bar C/Santa Bárbara, 8 - Madrid 24 de octubre de 2016, 20h.
Maribel Orgaz - info@leerenmadrid.com Poesía O Barbarieo el colectivo Másquepalabras, entusiastas de poesía que empezaron en un garaje en Lavapiés y celebran su tercera
temporada el 18 de diciembre en las Naves del Español de Matadero Madrid, en un
encuentro que contará entre otros artistas invitados con la cantautora Carmen Boza o Kutxi Romero (Marea), Elvira
Sastre y María Sotomayor, ganadora del Premio de Poesía Joven Pablo García
Baena. Tras este arranque, Poesía O Barbarie volverá a su espacio habitual una
vez al mes: El Teatro del Barrio de Lavapiés". El primer encuentro tendrá
lugar el 7 de enero con dos invitados de honor: Diego Vasallo, (Duncan Dhu), e
Irene X. Abierto y participativo, este próximo 18 de diciembre puedes traer tu poema y lanzarte a leer.
Éste es mi primer libro de ficción. Hasta ahora había publicado otros libros, había firmado en la Feria del Libro de Madrid, escrito cientos de artículos como periodista, hecho programas de radio sobre literatura, coordinado clubes de lectura, formado parte de Jurados literarios (el último, representando al bellísimo Miraflores de la Sierra) pero un día encontré una pintada de amor en el Barrio de Hortaleza y ahí comenzó todo.
Desde el principio este proyecto ha tenido suerte, a la Editorial Bercimuelle gustó y a los lectores también.
Me cuentan su historia favorita, me hacen sugerencias de otras nuevas.
¡Qué bonito!, me dicen y otro comentario que me encanta: ¡Me ha hecho sonreír!
La edición en papel ya está agotada pero puedes leerlo en nuestras bibliotecas públicas o en enebook aquí
Luis Araújo, dramaturgo, imparte en la actualidad, clases en la Universidad de Estrasburgo, "sobre mi obra", explica, en dos Máster y además de interpretación sobre otros autores de teatro contemporáneo españoles. El público no ha olvidado su último estreno, Kafka enamorado en el Centro Dramático Nacional. Araújo estrena regularmente fuera de España. Foto: Marisa G. Leonarte.
En la actualidad
trabaja de manera estable fuera de España, cuál es la aportación a su mirada sobre
el teatro que se estrena aquí.
Luis Araújo, dramaturgo - Bueno, lo primero es
que no trabajo de manera estable. Tengo un contrato del Ministerio de Educación
francés por unos años y luego seguiré buscando trabajo, de momento aquí, donde
hay posibilidades para alguien como yo, que en España no existen gracias a la
política desastrosa de austeridad acordada por nuestro gobierno con los poderes
financieros.
En cuanto a la mirada sobre el Teatro Español, el problema
es que, claro, llevo tres años fuera de España, lo que quiere decir que hace
tres años que no veo el teatro que se está haciendo allí. Pero me llegan
noticias de que incluso directores prestigiosos y consagrados se ven obligados
a montar sus espectáculos en cooperativa con la compañía, donde todos corren el
riesgo por falta de financiación. Así nunca podrá haber una profesión estable y la creación
siempre será apresurada y deficiente.
Me parece todo demasiado
salvaje, es un sálvese el que pueda donde el respeto por los creadores brilla
por su ausencia, tanto por parte de los gestores políticos como de buena parte
de la sociedad. Es bastante triste. Cuando vemos cómo se cuida la creación en
otros países, uno solo puede sentir vergüenza.
En literatura tiene cada vez menos sentido hablar de literatura española y sí de literatura en lengua española. ¿Ocurre algo similar en el teatro?
Bueno el teatro, del país que sea, solo lo leen los profesionales o los estudiosos universitarios. El público en general no lee teatro. Sin embargo sí es cierto que la dramaturgia en lengua española está teniendo una repercusión internacional que era impensable hace unos 20 años. Yo estreno regularmente fuera de España y no soy de los autores más representados, el caso de Mayorga es interesantísimo porque demuestra que con el conveniente apoyo y voluntad política, los autores pueden tener un recorrido muchísimo más interesante que luchando de franco-tiradores con sus propias fuerzas.
Con respecto a Kafka
enamorado, ¿qué clase de renuncia es la de
Kafka?
Siempre ha habido personas que han creído que valía la pena
sacrificar determinados aspectos de la vida por un ideal. El dilema de Kafka
entre su escritura y una vida « normal » es un dilema vigente para muchos
creadores, si bien se nos intenta convencer cada vez más insistentemente de que
lo único que importa en la vida es ganar dinero para vivir confortablemente.
Hay mucha gente que no piensa así y, dada la injusta situación en que se encuentran
los creadores en sociedades que, prácticamente, los desprecian, no parece que
ese dilema tenga pronta solución.
Por una parte mucha gente cree que los artistas son puros
diletantes que quieren vivir del cuento (esto lo oigo en las calles de España
continuamente), y por otra parte hay quienes se ocupan de « pasar » por
artistas consiguiendo el favor de los despachos institucionales, lo que crea
aún mayor confusión y un deterioro considerable de la calidad artística que llega
al público.
Las instituciones no apoyan a los artistas, sino a los gestores,
empresarios, etc. que se dedican a explotar a los artistas (no todos, naturalmente, hay productores muy valiosos y responsables pero no son legión porque la guerra por la supervivencia es despiadada). Es una absoluta
sinrazón. Para ser apoyado por el estado hay que abandonar la creación y
dedicar la jornada laboral a la gestión. En ese estado de cosas, abandonar la
seguridad y la subsistencia por mantener la creación es una hazaña épica que
todavía afronta mucha gente a costa de vivir en la vergüenza de nunca tener
medios, de pedir prestado, de vivir de la familia o los amigos...
Espero que no
se extingan, ellos son la conciencia real de nuestra sociedad cada vez más
alienada.
Kazan decía que se dedicó
al cine porque era incapaz de trabajar de noche como exigía el teatro. Pero en
su caso, desde el teatro también ha llegado al cine.
Sí, hice algo de cine, como actor y como guionista, y
también televisión. Pero realmente mi vocación ha sido siempre el teatro, desde
niño. Naturalmente me gustan mucho los otros lenguajes, pero el directo, la
inmediata comunicación con el público y el aspecto artesanal del montaje
escénico me han fascinado siempre. Los horarios nunca me han preocupado, aunque
a veces me han creado conflictos con mi pareja, pero nunca me ha molestado
trabajar de noche o de madrugada, siempre que pueda descansar razonablemente.
De hecho, cuando estoy realmente metido en un montaje, o en la escritura de un
texto, a menudo no sé en qué día vivo, ni qué hora es, se me olvida muchas
veces comer, vivo abducido por perfeccionar lo que tengo entre manos. Y es una
sensación muy gratificante, aunque te deja exhausto, claro, hay que descansar
después.
Al leer
biografías de directores de cine o teatro, parece que pueden
dividirse en los que no les queda más remedio que trabajar con actores y los
que sienten por ellos admiración y cariño.
A mí me encanta trabajar con los actores, son una gente
maravillosa, capaces de desaprender y re-aprender cuanto sea necesario para
llegar a construir su personaje o realizar cosas que nunca hubieran imaginado.
Se atreven a casi todo y eso es muy de agradecer, tanto como autor o director,
como para cualquier ciudadano en general.
Se habla muy poco de la enorme generosidad de los actores y
la sociedad debería ser consciente de que ponen a menudo en peligro su propia
estabilidad personal y emocional para llevarnos a territorios insospechados
donde nos emocionan o nos hacen reflexionar.
Dirigir actores es uno de los aspectos más emocionantes de
ese trabajo artesanal que antes mencionaba sobre la puesta en escena. El
trabajo con los actores es la esencia, tanto del teatro como del cine. Pero
desgraciadamente no son muchos los directores de cine que le dan a este aspecto
la importancia que tiene. Aunque los hay y magníficos.
El teatro no inspira
otra atmósfera que la del país, afirmaba Fritz Kortner.
El teatro es una emanación de la propia sociedad. Los que lo
hacemos somos ciudadanos como cualquiera y vivimos en el mismo entorno social,
cultural, económico, etc. El teatro es un laboratorio social donde vemos qué
pasa con las relaciones humanas, con la ecuación individuo/ sociedad.
Abordar
ese laboratorio desde diferentes ángulos (comedia, drama, performance...) no
quita un ápice a su significado de experimentación social, de reflexión delas
sociedades sobre sus mecanismos de funcionamiento, sus relaciones, sus
motivaciones...
Vivimos un momento de globalidad en que las sociedades
occidentales se parecen cada vez más entre sí. En ese sentido el teatro español
refleja muy bien la mentalidad española, cada vez más preocupada de reírse y no
pensar en lo que realmente le está ocurriendo. Es el teatro que paga el
público, y por tanto el mayoritario en las carteleras.
Existe otro teatro que
también tiene su público, el de los que quieren plantearse cuáles son las
encrucijadas que vivimos. El equilibrio entre estas dos actitudes es mucho
mayor en los países de larga tradición democrática, y mucho menor en
democracias aún inestables y manipuladas como la española.
Emilia es Emilia Pardo Bazán, escritora, literata que en su siglo, el XIX, en su sociedad y en su país lo tuvo todo en contra y aún así, fue imposible hacerla a un lado. Cuando se hartaba, se iba una temporada a París. Una figura colosal que hasta el 29 de enero estará en el Teatro del Barrio; con Pilar Gómez como Emilia, Anna R. Costa en la dirección y
dramaturgia, a partir de una texto de Noelia Adánez. Con esta obra arranca un ciclo dedicado a mujeres singulares.
Emilia Pardo Bazán, también un buen motivo
para hablar de otros temas.
Anna R, Costa - Dirección. Como cualquier intelectual que se precie, Emilia Pardo Bazán
interesa por ella misma, tanto por su vida como por su obra, y por su puesto da
pie a tratar temas universales.
Introdujo la literatura rusa en España, fue una
aristócrata que creía que los privilegios de cuna debían ir acompañados de
responsabilidades. ¿Sobran los motivos para que continúe
sin ser reconocida?
Es inexplicable que siga sin ser reconocida. Ella luchó
incansablemente para ocupar el lugar que merecía, y siempre se le negó por ser
mujer, aunque su obra fuese superior en cantidad y calidad a la de otros intelectuales de la época. Por
desgracia, su discurso sobre el papel de la mujer en la sociedad sigue estando
vigente. Sorprende lo poco que ha cambiado la cosa desde finales del siglo XIX.
Cuál es el
corazón de la interpretación.
Emilia fue una mujer poderosa como una montaña: escritora,
periodista, esposa, madre, amante… En el montaje hemos intentado que esté todo,
desde lo público a lo íntimo.
¿Qué descubrirá el espectador que apenas sabe algún
chascarrillo de ella, en esta obra? ¿Qué le aportará a los que ya saben de ella?
El espectador se va a sorprender de lo moderna que fue
Emilia Pardo Bazán. De la autoestima tan alta que tenía (la mayoría de mujeres
la tenemos baja, aunque parece ser que es hormonal). De cómo manejó su vida en
función de sus necesidades saltándose todas las convenciones de la época.
El espectador conocedor de la obra de Pardo Bazán podrá
valorar la síntesis del espectáculo. Un viaje de una hora que transita por
todos los recovecos de una vida apasionante. Y con los ingredientes
primordiales para que empatice: discurso, emoción y humor.
