Una familia es una época - Miel con un toque de ajenjo, María Omar. Editorial La Tortuga búlgara - Literatura de Kazajstán - Casa Asia. Madrid

 

Javier Puig .  María Omar .  Alina Vraby .  Marta Sánchez-Nieves

                         

Maribel Orgaz @leerenmadrid

Ayer, 10 de noviembre, se presentó en Madrid, en Casa Asia, la novela Miel con un toque de ajenjo (Editorial La Tortuga Búlgara) de la escritora kazaja María Omar. Мария Омар

De la literatura de Kazajstán apenas había traducidas dos antologías en español, Antología de la poesía moderna en Kazajstán y Antología de la prosa moderna  (Editorial Visor). 

La novela de María Omar es, en esta escasez, una singularidad y ese fue el motivo por el que acudía a la presentación.

"Había escuchado desde niña las historias de mi abuela pero no fue hasta la muerte de mi padre en la pandemia cuando decidí reunir todos esos recuerdos para novelarlos", comenzó la escritora.

Miel con un toque de ajenjo es una historia familiar que refleja un siglo, una época y se configura como memoria colectiva del pueblo kazajo, "a través de temas quizá, hasta ahora, considerados menores pero que como muestra María Omar, son capaces de contar la historia de un pueblo y de un país", explicó la filóloga Marta Sánchez-Nieves, encargada de conducir la mesa y que ha obtenido entre otros galardones, el Premio Esther Benítez 2016 por su traducción de Noches blancas de Fiódor Dostoievski. 

"Empecé compartiendo pequeñas historias en Facebook", detalló María Omar, "y mucha gente me contó también sus historias. Eso fue el detonante para escribir".

Miel con un toque de ajenjo cuenta con un personaje que destaca por encima de todos, la abuela de la escritora "ella fue muy valiente cuando en los años cuarenta, siendo musulmana, se divorció de su marido y se casó con otro hombre por amor a pesar de las habladurías de su pueblo. Yo no soy tan valiente", confesó María Omar entre risas, "pero ella me demostró que siempre se puede elegir el destino". 

La escritora elogió las traducciones de su obra que camina por su quinta edición en ruso y hace apenas un año se ha traducido al kazajo, "las historias que escuché de niña eran en kazajo y conservar algunas expresiones le da más emotividad a mi escritura".

María Omar puso un ejemplo: "la palabra kazaja Ainalaiyn sin traducción a otras lenguas y que significa dar vueltas alrededor de alguien a quien se ama para atraer todo el mal y así protegerlo", conservar este vocabulario fue importante en su proceso de escritura, aunque la escritora que ejerce como periodista escribe en ruso.

Marta Sánchez-Nieves se interesó por la literatura en Kazajistán y si había más interés por parte de las editoriales en publicar obras escritas por mujeres como ocurre en otros países. 

"El cambio comenzó hace unos diez años pero es el los últimos cinco cuando se ha notado", confirmó María Omar que también se refirió a las mejores sociales con una mejor legislación sobre violencia de género y cómo los padres habían asumido más tareas de crianza compartida.

Por último, la escritora habló de las traducciones y de cómo su novela ha sido publicada en español, "me escribieron por Instagram y pensé que era una broma", explicó, "pero busqué información sobre Antonio [Antonio Sánchez-Carnicero, traductor] y vi su trabajo y la editorial". 

La Tortuga búlgara está especializada en lenguas de escasa difusión y fue fundada por Marco Vidal González y María Vera Avellaneda. 

Al cerrar el acto, se elogió el trabajo de la intérprete Alina Vraby.

Antón Chéjov en los huesos - Moscú no existe. L´Om Imprebís sobre textos de Antón Chéjov

 

Maribel Orgaz @leerenmadrid
El domingo 8 de noviembre fue el última de representación de Moscú no existe de L´Om Imprebís sobre textos de Antón Chéjov en el Teatro Fernando Fernán Gómez. 

Si en Madrid se representa alguna obra de este gran dramaturgo ruso acudo a verla. Puedes leer algunas entradas sobre las versiones que me han maravillado como la de Tribueñe La gaviota Chejov + Chejov de Irina Kouberskaya o la de David Amitin, El hombre inexistente.

En esta ocasión, se ha optado por sintetizar cuatro obras cumbre de Antón Chéjov: Tio Vania, La gaviota, Las tres hermanas y El jardín de los cerezos. 

Este magno empeño ha dejado a Antón Chéjov en los huesos. Un hombre mayor que se enamora de una joven cuyo anhelo es ser actriz en Moscú y que no le corresponde, un joven sin escrúpulos que la conquista y después, la maltrata y se entretiene con otras mujeres. Una vieja sirvienta para las que su libertad en la vejez es miseria. 

Carles Montoliu, Víctor Lucas, Pilar Martínez y Beatriz Casanova interpretan historias de unos hombres y mujeres anodinos que al perorar las reflexiones y frases de la obra chejoviana resultan excesivas cuando no ridículas. 

Los actores y actrices sacan adelante esta obra con gran profesionalidad y su trabajo se habría merecido una comprensión mejor del universo chejoviano. Ese que entiende nuestra debilidad y nuestra grandeza, nuestra insignificancia y nuestro legítimo derecho a una vida digna.

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Teatro Tribueñe La gaviota Chejov + Chejov de Irina Kouberskaya 

David Amitin, El hombre inexistente.

Alexánder Pushkin - Relatos de Belkin - Grupo de Lectura de Olga - Asociación Glagol - Academia Znaika - Barrio de Canillas

 

Dementi Shmárinov

Maribel Orgaz  @leerenmadrid
Una vez al mes acudo a un grupo de lectura especializado en literatura rusa. Lo coordina Olga Sobko y tiene lugar en la Academia Znaika. Olga prepara minuciosamente cada encuentro que siempre finalizamos con más curiosidad para continuar leyendo al autor que hemos abordado.  

Este otoño, las lecturas propuestas se refieren al "hombre pequeño: una persona corriente, con su dignidad, sus sueños y sus dificultades. Hablaremos de compasión, justicia y de por qué estas historias siguen emocionándonos hoy".

Y la lectura de este sábado es uno de los relatos de Belkin, que los expertos afirman son el primer intento serio de Alexánder Pushkin de escribir prosa. Tienes más detalles aquí.

Mi ejemplar es una traducción directa del ruso de José Laín Entralgo que fue editado en la Biblioteca Básica Salvat. Una joya que sigue vendiéndose en el mercado de segunda mano y que yo compré nuevo en 1988.

Cocheros, soldados pobres que no pueden casarse por falta de recursos, jovencitas enamoradas, "María Gavrilovna se había educado en la lectura de novelas francesas y, por consiguiente, estaba enamorada".

Vidas contempladas con deleite y humor bondadoso mientras el lector reconoce de inmediato un genio de la escritura. 

Los Relatos del difunto Iván Petróvich Belkin se compone de cinco cuentos y no hace falta más para darse cuenta de la fabulosa capacidad de narración de Alexánder Pushkin. 

Si quieres asistir a estos encuentros de lectura, que son gratuitos, tienes que escribir antes. Echa un vistazo al programa y al correo en el que tienes que avisar aquí.

13 octubre - Ser actriz en el Madrid teatral. Del siglo de Oro a la llegada del cine. Maribel Orgaz - Editorial Cuadernos del Laberinto. Biblioteca Iván de Vargas, Madrid.

 

Tras el verano, he retomado las presentaciones de mi último libro publicado: Ser actriz en el Madrid teatral. Del Siglo de Oro a la llegada del cine, que está editado por Cuadernos del Laberinto.

En esta ocasión en una de las bibliotecas más hermosas de Madrid, la Biblioteca Iván de Vargas con sus grandes magnolios en su patio interior y su preciosa arquitectura en madera.

Estuvo en la mesa, Alicia Arés, la editora y también una buena amiga, Raquel Martínez, actriz.

Fue más una charla que una presentación tradicional y como en las anteriores ocasiones, sus historias fascinantes sorprendieron al público.

Nuestras actrices, junto a las italianas, eran las únicas en toda Europa que estaban subidas a los escenarios desde el siglo XVI y conquistaron espacios insólitos de libertad en él.

Hablaban en público cuando el ideal de mujer era estar callada y el único que lo hacía era el sacerdote.

Escenificaron vidas que muchas mujeres querrían vivir y por ello, siempre estuvieron en la mira de los moralistas y la Iglesia.

Ser actriz en el Madrid teatral. Del Siglo de Oro a la llegada del cine surgió de un curso monográfico que impartí durante varios meses en la Universidad Popular de Alcobendas, Madrid.

El 3 de diciembre, a las 19h. estaré en el Ateneo de Madrid gracias a la agrupación Carmen de Burgos y su director, Roberto Cermeño.

Biblioteca Pública Iván de Vargas
Calle San Justo, 5 - Madrid

El prestigio literario en el siglo XXI - Blanca Berasategui, periodista. Miguel Aguilar, editor - Fundación Juan March

 

Maribel Orgaz @leerenmadrid

En la Fundación Juan March intercambiaron ideas la periodista cultural Blanca Berasategui y el editor Miguel Aguilar acerca del prestigio literario en el siglo XXI.

1. En el prestigio del escritor las instancias tradicionales han sido erosionadas por Internet sin que haya surgido en los nuevos medios algo nítido que les proporcione ese prestigio. Internet sí ha influido en aumentar sus ventas como ha sido el caso de Tan poca vida de Hanya Yanagihara. Miguel Aguilar.

2. La autoedición y las pequeñas editoriales han sustituido a los premios como forma de encontrar nuevos escritores. Son un chollo: les hacen el trabajo previo a las editoriales grandes que están pendientes de cuánto venden y chequean sus ventas en Amazon. Las pequeñas editoriales son los ojeadores para las grandes, les vienen muy bien. Minimizan el riesgo. Es una de las cosas buenas que ocurren ahora, no hace falta que los autores estén llamando a las puertas de las grandes como pasaba antes. El primer libro se lo autoeditarán pero el segundo lo hacen ya en una editorial. Blanca Berasategui.

3. La Universidad española, en general, tiene un problema de desconexión con la sociedad. En el mundo anglosajón, en Francia, los grandes autores de no ficción son los historiadores de las universidades. Aquí eso no ocurre y si ocurre es en contadas ocasiones. Escriben para sí mismos y sin la voluntad de que ese conocimiento salga a la sociedad. Es una lástima. Miguel Aguilar.

4. Los escritores pueden o no utilizar las redes sociales para interactuar con sus lectores, pero no es lo decisivo y hay que ver si el autor se siente cómodo haciéndolo. Miguel Aguilar.

5.Todo lo bueno ha sido publicado por editoriales buenas. Soy escéptico con el tópico de que grandes obras no han sido publicadas. Miguel Aguilar.

6. Lo que quieren las editoriales es vender, el problema es que se edita lo que se vende en lugar de vender lo que se edita. Blanca Berasategui.

7.El crítico que podría echar una mano para ayudar al prestigio de un libro tiene que bajar al campo de minas que son las redes sociales. Blanca Berasategui.

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Las ciudades como las familias, se arruinan con facilidad - Las ocas blancas, Paulina Crusat.

Vivo con gran satisfacción el hecho de que la llamada Inteligencia Artificial sea un genio de las matemáticas y un mal poeta - Pilar Pastor Gaitero, poeta

 

Maribel Orgaz @leerenmadrid
Pilar Pastor Gaitero ha ejercido como periodista, una profesión tan pegada a la actualidad que en esta entrevista le pregunto cómo ha logrado compaginarlo con su quehacer poético. A priori, una labor de contemplación y calma. Profesora de español en la Universidad de Trento, ha participado en varias antologías poéticas, Enésima Hoja: antología de poetas contemporáneas; Bajo la estrella, el viento; Antología de poesía navideña contemporánea: me gusta la Navidad y en el volumen Laberinto breve de la imaginación: Antología de literatura mínima. Ha publicado los poemarios Todos los ríos y Doce meses y un día. Ha sido jefa de producción del equipo de la revista bilingüe (español-inglés) Arena Internacional del Arte. En la entrevista confundo el número de poemarios de los que es autora en solitario y amablemente me corrige. Vive en Italia y sus libros de lingüística están publicados en Arco Libros.

 

Has participado en varias antologías y publicado tres poemarios, qué matices encontrará el lector en este nuevo volumen de poesía que has publicados.

Bueno, en realidad, en sentido estricto, se trata de mi segundo poemario porque el resto de publicaciones están en diversas antologías y, aunque podrían formar entre ellas un poemario completo, los publicados bajo mi nombre son Doce meses y un día y Todos los ríos. 

En los dos, los poemas se presentan con varios intercalados de obras pictóricas, en el primero, acuarelas del artista Maurizio Corradi; en el segundo, acrílicos sobre papel del artista Mauro Cappelletti. Se trata de una fijación mía, ya que la poesía para mí tiene una relación simbiótica con la representación pictórica: la ayuda y la completa en su labor de sugerencia. Los artistas han sido elegidos por mí para completar los poemas.

Respecto a mi primer libro, pensado para describir con poquísimos versos una sensación o dar una pincelada a un paisaje, Todos los Ríos contiene poemas de mayor longitud y pretende explorar una serie de sentimientos que se han ido acercando a mí a lo largo de los años. 

En él, he recuperado momentos de mi pasado y también me he atrevido a pintar un autorretrato, pero no es en modo alguno un libro que gire solo a través del yo. Buena parte de los poemas han nacido de la necesidad de comunicar el desasosiego que siento ante el expolio que durante el pasado siglo, y lo que llevamos de este, hemos hecho del agua y de la tierra. Para mí, el sentimiento de pérdida, de una imposible recuperación de los paisajes, del agua de los ríos y los mares y de la tierra en la que vivimos está siempre presente. 

Más allá del ecologismo, o de un ingenuo deseo de recuperar una pureza que seguramente nunca ha existido, me mueve el fuerte impulso de intentar -con los recursos que ofrece la poesía- fotografiar los estragos y desastres que los periódicos cuentan de otra forma y de los que todos somos conscientes. 

Cómo se compagina tu profesión periodística, en la que todo es “para ahora mismo”, con tu escritura poética.

Pues no muy bien. Me he concentrado en el periodismo al que me ha llevado una auténtica vocación y con el que he disfrutado mucho trabajando. Pero esto no me ha dejado mucho tiempo para la escritura de poemas que, en mi opinión, necesita de una especie de “vacío cognitivo” o, dicho de otra forma, de tener un espacio y un tiempo que te permitan divagar. Me encanta este verbo porque contiene “vagar” puede leerse como un viaje, pero que yo relacionaría también con “vago” y “vaguear”. 

Cuando una sensación o una idea te golpean y te piden que las escribas, necesitas tener el tiempo de parar el resto de las cosas y ponerte con ello. Los poemas son tiempo en bruto, tanto en el proceso de escritura como en la lectura.

Si la poesía es intensidad, ritmo y voz. Qué es, en tu opinión, la voz.

La intensidad y el ritmo son como el vestido que te pones: un día te apetece ir de rojo y llevar ropa suelta y otro te apetece vestirte de negro y llevar un pantalón ajustado. La voz es lo que está detrás, es como la persona detrás del vestido. 

Y como el cuerpo, también la voz está desnuda. Se puede ir cambiando con el tiempo -pero igual que un amigo te reconocerá, aunque haga tiempo que no te vea- también a un poeta se le puede reconocer por esa voz.    

Cuál es, en tu opinión, la principal dificultad para escribir poesía en tiempos no precisamente poéticos.

Creo que los tiempos menos poéticos son los más fructíferos para escribir. Me viene en mente T.S.Elliot y su magnífico poema La tierra baldía con todo el dolor de la generación a la que le tocó vivir la Primera guerra Mundial. 

Quizás se necesite que transcurra un tiempo para que se posen las vivencias, pero cuando los tiempos no son precisamente poéticos es cuando más se necesita la poesía. 

Y no me resisto a decir que vivo con gran satisfacción el hecho de que la llamada Inteligencia Artificial sea un genio de las matemáticas y un mal poeta.

Cuáles serían tus poetas de referencia.

Gracias a mi trabajo como periodista he podido conocer y entrevistar a grandes autores como Torrente Ballester, Miguel Delibes o María Zambrano. Desgraciadamente, los poetas se quedan siempre un poco detrás porque hay pocos lectores de poesía. Pero en mi biblioteca destacan siempre César Vallejo y Francisca Aguirre, Emily Dickinson y José Ángel Valente. Este verano lo he dedicado a releer a Claudio Rodríguez, El don e la ebriedad; y a Pedro Salinas, La voz a ti debida. Tengo curiosidad por los nuevos poetas, compro y leo poesía actual, pero vuelvo siempre a mi biblioteca. 

En tu editorial hay una referencia a tu período sin publicar, cuándo sabe una poeta que es mejor no forzar la escritura y esperar. Cómo has gestionado ese esperar.

No lo sabes nunca. El pasado noviembre, en la ciudad italiana de Bolonia, asistí a una serie de charlas de la poeta granadina Erika Martínez y me impresionó mucho que comentase que estaba en un periodo de sequía. No es habitual hablar de esto entre escritores y poetas. Y se vive mal, como si de repente te hubieran arrancado una parte de ti, un vacío que el resto de cosas que te rodean non consiguen llenar. 

Para mí ese silencio fue poco a poco buceando hasta la superficie y, aunque su fantasma esté posiblemente aún ahí acechando, he encontrado de nuevo las ganas de contar, de escribir. La “espera” no se puede gestionar, solo acompañarla e ir guardando las experiencias como una hacendosa ardilla guarda sus provisiones ante el invierno. 

Todos los ríos

Pilar Pastor Gaitero

Y la pena se nos despierta

como en estatua de sal.

Porque, ahí estamos

obligados a repetir los días,

fondeados en la seca piel de un mar 

sin aguas, ni corrientes (...)

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El desafío es que un poema tenga un alma silenciosa y lenta. María Torvisco, poeta, y Marisa Amador, fotógrafa.

Una luz celestial aún brilla en mi alma - György Faludy, poeta

 

Maribel Orgaz @leerenmadrid
La poesía del escritor y poeta húngaro György Faludy (Budapest, 1910-2006) sigue inédita en español.

"Yo, que he viajado por los seis mundos,

bendecidos y escupidos por doquier.

Luché contra el viento en campos helados".

Alfonso Martínez Galilea ha traducido su autobiografía, Días felices en el infierno que ha editado Fulgencio Pimentel. De esta obra se puede leer una estupenda reseña escrita por Juan Jiménez García aquí.

"Las memorias de György Faludy, estas que van desde su primera salida y exilio de Hungría hasta ese segundo exilio-huida, con todo lo que tuvo de definitivo, tienen como primera virtud ser capaces de transitar de una manera lumínica (y esta es la palabra) desde la alegría triste de los primeros tiempos a la amargura, la oscuridad visible de los campos de trabajo, con la derrota de todas las ilusiones que se podían tener en el ser humano y que él tenía".

El controvertido, erudito y elegante György Faludy, afirma la solapa de su editor en español, vive y sobrevive en toda circunstancia por su capacidad de adaptación o como se diría ahora que estamos empachados de diagnósticos de psicólogo, por su narcisismo. En un barco como refugiado, huyendo de la guerra europea con su esposa y amigos, logra una nueva amante y un pensamiento le reconforta una y otra vez, muy pronto se librará de esta esposa tan bella como histérica. Y una noche duerme en una cuadra sucia y al día siguiente come langosta en un restaurante de lujo en África. 

Culto, inteligente, oportunista, extraordinario orador, un gran vividor. Alguien que sólo se preocupaba por encima de sí mismo, en una vida llena de zozobras e incidentes, de escribir y de escribir poesía.

"Yo no sabía lo que era el sufrimiento", reflexiona en las primeras páginas de Días felices en el infierno, "con mi carácter juguetón, soñador, falto de pretensiones, con mi franca confianza en mí mismo, con mis éxitos y mi tendencia a considerar la vida como el único don verdadero de la naturaleza, no había tenido oportunidad de ser infeliz durante el tiempo necesario".

Días futuros

(Jövendo napok)

 

La historia es impredecible.

Las chicas de hoy son más guapas, más inteligentes,

los chicos más deportistas y alegres,

y mucho menos eruditos.

 

Siete naciones fabrican bombas atómicas,

como si fueran ametralladoras o cañones de antaño.

Si te preocupa, te tranquilizarán:

las producimos, no para usarlas, te dirán.

 

Hay muchos más de mil millones

de chinos. No nos interesan.

 Trabajan y guardan silencio.

¿Y si hacen una petición?

 

Las imponentes capas de hielo ártico

se derriten bajo los osos polares. 

¿Nos perdonará el aumento del nivel del mar a nosotros,

tras nuestros diques construidos con oraciones?

 

Nuestra gran llanura verde se convierte en una nube de polvo,

un vertedero grisáceo, seco y desierto.

Solo la Voz de Dios podría ayudar, pero

el Señor nunca toca la trompeta.

Puedes leer más poemas aquí y aquí

El cosmopolitismo sí que conducía al nihilismo. Ahora nuestro mundo está iluminado desde muchos focos - Rafael Argullol, Fundación Juan March

 

Reniala - Saleta Rosón 

Maribel Orgaz  @leerenmadrid
"Hace unos años", explicaba el ensayista y poeta Rafael Argullol en esta conferencia sobre el arte del futuro para la Fundación Juan March "vi una exposición en Moscú sobre los grandes proyectos para construir la Ciudad Nueva para la Sociedad Nueva y el Hombre Nuevo y entre esos grandes proyectos había una propuesta de Le Corbusier que consistía en destruir prácticamente todo Moscú. Y el propio Le Corbusier se ofrecía para hacer esa nueva ciudad".

El totalitarismo derivado de esas esperanzas frustradas que no sólo fueron Auschwitz o el Gulag "o la combinación mefistofélica entre tecnología y representación, también estuvo en las propuestas más reformadoras y progresistas", explicaba.

"Lo que llamamos modernidad", continuaba Rafael Argullol "ha estado teñido en tan algo grado de aquello que los griegos llamaban hibris, de desmesura, que en un momento determinado pierde todo control y se lanza, para usar un título de Joseph Roth, a una fuga sin fin para lo que no hay marcha atrás".

"Pero sería injusto si en este proceso no viésemos las energías liberadas porque si no lo hiciéramos, habitaríamos en un horizonte de nihilismo que me parece inaceptable y falso".

Una de las falacias del mundo en el que estamos ahora es que "se había acostumbrado a hacer una lectura fácil y ese era uno de los errores fundamentales, una visión demasiado progresiva, lineal de lo que es la historia de la humanidad".

"Era fácil leer el mundo entre capitalismo y comunismo", reflexiona, "y la maldad o la bondad se ponían según el mirador. Pero el mundo que vivimos ahora con todas sus penurias es más libre. El mundo posterior a la caída del muro de Berlín y la bipolaridad es un mundo más libre". [Y hay que destacar la fecha de esta conferencia, impartida en 1998].

"Superado el eurocentrismo y ante el amanecer de un posible policentrismo cultural, el mundo es más libre aunque sea más complejo".

Estamos en una posición "interesante para la automesura (...) y cuando hablo de arte del futuro me refiero a ese interrogarse alrededor del enigma (...)".

El arte moderno, asevera Rafael Argullol, "ha liberado al arte como pura percepción".

Si por un lado, y ya en 1876, Friedrich Nietzsche se refería a que quizá nunca antes el arte había sido entendido con tanta profundidad cuando precisamente se vaticinaba su muerte. 

Por otro, el poeta Friedrich Hölderlin apelaba a la necesidad de crear nuevos dioses y las respuestas a su petición teística fueron el mito del progreso, de la utopía.

El arte se adentró en un paisaje nunca definido que había de llevarnos a la verdad y la ilusión, evitando el nihilismo y esa disolución de sí mismo a que conducía la ironía romántica.

Y ese nuevo camino de lo que hablaba era del fin de la cultura occidental de raíz renacentista y de la aceptación "por primera vez explícita del vacío".

Rothko y Kandisky, afirma Rafael Argullol, "son la apertura de ese arte a eliminar la división entre ideas y sensaciones que hasta ahora sólo estaba aceptada en la tradición bizantina y rusa: el arte no es exclusivamente la obra de arte sino el propio proceso de conocimiento que implica su ejecución".

"Los grandes iconos de Andréi Rubliov nos llaman la atención porque la relación del espectador con aquello que ve es totalmente distinta de la tradición renacentista. No se propone el icono lograr ese objetivo de carácter mimético".

Éste puede ser el elemento liberador del arte moderno. "A través de ese carácter visionario que yo otorgo al arte ha preparado a la conciencia occidental a aceptar un nuevo escenario distinto por completo".

El arte moderno ha anticipado la quiebra de esos grandes relatos como el del progreso.

"La eclosión de policentrismos culturales ha traído una riqueza sin precedentes, como una lectura nueva del mundo y la crisis del eurocentrismo" pero pasa por desmentir esa idea de darwinismo civilizatorio según el cual "la humanidad avanza etapa tras etapa y que cada una arruina a la anterior".

De repente, nuestro mundo está iluminado desde muchos focos y no sólo desde los vinculados, denominados nada ortodoxamente, desde la razón. "El cosmopolitismo uniforme, ese sí que conducía al nihilismo, al tedio universal".

Una de las reivindicaciones, conluye, "del arte moderno es poner en equilibrio el conocimiento científico y el enigmático que proporciona el arte. Toda discusión moderna del arte debe tener en cuenta una discusión sobre el mundo. La autonomía del arte ha sido fecunda pero también autista. Nos parece que la ciencia plantea preguntas que conciernen a nuestro futuro pero el arte está petrificado y fetichizado en los museos, en el mercado. No ofrece esos indicios de futuro que exige el hombre".

"El arte como posibilidad de conocimiento me parece decisivo".

El arte del futuro, según Rafael Argullo, irá mucho más en el sentido de un arte moderno universal en sus encarnaciones. "Sabrá integrar lo que otras tradiciones culturales han entendido por arte y no sólo nosotros".

"El artista, en definición de Ósip Mandelshtam es un maestro del eco. Aquellas interrogaciones que siguen siendo necesarias en nuestra vida, las preguntas internacionales sobre nosotros mismos".

"Como afirmaba George Steiner en Presencia Reales (Ed. Siruela) para no caer en esa hibris mefistofélica del siglo XX", finalizaba.

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Crear historias es crear mundos - El desacoplamiento creativo

 

La historia esa, vista por Hollywood - Manuel Vázquez y Francisco Ibáñez. Can Can. Revista Bruguera

 

Maribel Orgaz  @leerenmadrid
Hace unos días, en la casita de intercambio de libros de la Biblioteca Soto del Real, dejaron cuatro tomos encuadernados de la revista Can Can que la editorial Bruguera publicó de 1958 a 1963. 

Can Can era una revista de humor gráfico, un poco de burbujeo y algo de crítica social "ligera", aclaran en Tebeosfera, que lograba esquivar la censura del momento. 

Y en ella colaboraron los mejores dibujantes de Bruguera, genios de la talla de Manuel Vázquez, Francisco Ibáñez y Purita Campos.

Una de las secciones más hilarantes es La historia esa, vista por Hollywood que comenzó el dibujante Vázquez y que continuó Francisco Ibáñez.

Desde Miguel Strogoff a Moby Dick, Drácula o Fausto, Galileo o Cyrano de Bergerac sus extraordinarias peripecias vitales fueron resumidas en una página. 

"Tome nota, joven", puede leerse en una viñeta del Fausto de Francisco Ibáñez, "se vende alma en buen estado a quien pueda interesar. Razón: Fausto Gómez, calle del Mendrugo".

"Caramba", exclama una ancianita cuando Vázquez dibuja al aterrante Drácula entrando por su ventana, "qué loro más bonito". Y lejos de asustarse emprendió con gran entusiasmo su captura.

En Tebeosfera pueden verse las portadas.

Amigos literarios invisibles - Libros que importan - Biblioteca Soto del Real. Madrid

 

En la Biblioteca Soto del Real (Madrid) amigos invisibles literarios hemos intercambiados libros sorpresa en una actividad llamada  Libros que importan. #librosqueimportan

La propuesta era muy sencilla. Eliges un libro de tu biblioteca o compras uno para la ocasión, lo envuelves bien y lo dejas en una caja y te llevas otro.

Todos tienen que llevar dedicatoria y se da por supuesto que están en buen estado. 

Te hacen una foto en la misma biblioteca, haces una foto a tu dedicatoria y la subes a su web. Después, los bibliotecarios elegirán la mejor dedicatoria que tendrá un premio.

Llevé el mío y lo dejé en la caja. Y mi amigo invisible literario con una preciosa frase me dedicó el suyo, Mala letra de Sara Mesa.

Es importante tener personalidad en este mundo y huir de la mediocridad - Sergio Artero, director de escena. Sala Los Ángeles - Segovia

 

Maribel Orgaz @leerenmadrid
"Nosotros somos una compañía de teatro, Saltatium Teatro", explicaba el director de escena Sergio Artero en una entrevista reciente "y creo que como le pasa a todas tienen el sueño de tener una sala". Y dicho y hecho, en octubre pasado abrieron las puertas de la Sala Los Ángeles (Los Ángeles de San Rafael. Segovia). En cierta forma, explica Sergio Artero, esta apertura es insólita porque no hay tradición de salas privadas en Castilla y León. Sin embargo como gestor cultural, su experiencia profesional es una valiosa herramienta para elaborar una programación singular, más centrada en el público adulto y con una atención especial a "aquello que yo quisiera ver". En una reflexión final acerca del cuidado con el que realiza la selección añadía, "creo que es importante tener personalidad en este mundo y huir de la mediocridad". 

A punto de cumplir un año, cuál sería el balance de la Sala Los Ángeles. Qué perfil tiene vuestro público.  

Abrimos el pasado octubre, así que no hemos hecho todavía el año pero ya nos hemos llevado alguna sorpresa. La primera es que, no sabemos bien por qué, los espectáculos dedicados al público infantil son los que están teniendo menos respuesta. De hecho, acabamos de lanzar JUJUJÚ, un festival dedicado a la infancia y juventud, a modo de golpe en la mesa, porque es curioso que, frente a todo pronóstico, las mayores audiencias las tengamos con el teatro de adultos.

La segunda sorpresa es que la mayor parte de nuestro público proviene de la ciudad de Segovia, de la sierra noroeste de Madrid y, a veces, de Ávila. Es curioso cómo el público local, el de las localidades más cercanas, es más reticente. Creemos que se debe a una cuestión de hábitos. El hábito crea la afición, y no al contrario, como pudiera parecer. La cultura se parece en esto, casi sólo en esto, al simple ocio o entretenimiento. 

Eres director de escena y ahora empresario. Qué nuevas cualidades has desarrollado en esta etapa profesional. 

Lo cierto es que no me siento más empresario que antes. Llevo siendo autónomo un montón de años y, como director de mi compañía Saltatium Teatro o como gestor de festivales y eventos, estoy acostumbrado a altas y bajas de trabajadores, a organizar presupuestos y demás cuestiones. 

En verdad llevo en la sala la misma política que con mi compañía, es decir, traslado mi política de repertorio a mi política de programación: apuesto por aquello que yo quisiera ver, aquello que creo que merece la pena que la sociedad vea. 

Creo que es importante tener personalidad en este mundo, huir de la mediocridad, hacer las cosas con pasión y como uno cree que se deben hacer, y luego que pase lo que tenga que pasar. En caso contrario estaríamos siempre a merced del mercado y el mercado lo controlan unos pocos bots.

La gestión privada de un espacio escénico qué principal dificultad enfrenta.

Depender de un público que no existe, por supuesto; porque nosotros tenemos que crear un tipo de público y crear un público, en esta sociedad tan atomizada y netflixeada, ya es un enorme reto, pero más cuando a las escénicas afectan la climatología, el fútbol, las bodas, el precio de la gasolina y todo lo demás, todos los caprichos y aleatoriedades que pueden suceder ese día de función, por lo que nunca sabemos a qué atenernos. Trabajamos sobre una previsión fantasmagórica. Los gastos y licencias son muchos, los ingresos pocos y rutilantes. Pero las dificultades pueden ser muy diferentes según dónde esté localizado el teatro. 

Nuestra apuesta es doble: tenemos una sala mediana, con 150 localidades, y en un entorno rural, aunque a 20 min de Segovia y a 40 min de Moncloa. La mayoría de Comunidades tienen líneas de apoyo para salas, como para otros negocios primarios de la sociedad, porque hacemos riqueza, población y tejido social, pero no es el caso de Castilla y León, aquí no hay tradición de salas privadas.

En septiembre comienza nueva temporada, qué va a encontrar el espectador.

Nuestra programación no descansa en verano, aunque en agosto ceja bastante. Lanzamos la programación trimestralmente, así que la de septiembre está ya publicada. 

A partir de octubre, a lo largo del trimestre otoñal, me gustaría destacar que aumenta la programación de teatro para adultos, que participamos de la última edición del festival de poesía Vasos Comunicantes de Segovia y que comenzaremos a impartir cursos regulares de artes escénicas, para que nuestro espacio no sólo sea de exhibición sino de formación. Desde luego, estamos llenos de ilusión.

Sala Los Ángeles
Los Ángeles de San Rafael
Segovia

Bajo el cielo serrano, noches mágicas de arte escénico - Del 8 al 11 de julio - III Festival Escena Cercedilla. Madrid

 

Maribel Orgaz @leerenmadrid

El III Festival Escena Cercedilla tendrá lugar del 8 al 11 de julio y este año incluirá el Parque de Pradoluengo, manteniendo la Plaza de Toros como escenario principal, reconvertida para la ocasión en "un maravilloso anfiteatro", afirma el actor Jorge Jimeno Almeida, Director de este festival. 

Cercedilla ofrecerá a sus vecinos y veraneantes, las actuaciones de Yllana y su euforizante Trash!, El perro azul y esa tierna historia de amor y humor, Globe Story y la voz y los cantos tradicionales de Ainhoa Limón, con Coser y Cantar. Además, el grupo de teatro municipal La Parrá, del que Jorge Jimeno es director, estrenará Las cenizas del señor Camacho y por si faltara algo, se ha pensado en una curiosa oferta de talleres, de teatro físico y de lucha escénica a cargo de la compañía Las Ansiadas Producciones. En esta entrevista, Jorge Jimeno invita a disfrutar de este programa bajo el cielo serrano y sus estrellas de "tres noches mágicas" y anima a que en cada municipio se forme un grupo de teatro en este tiempo de pantallas porque "nada podrá superar la satisfacción que supone reunirnos y contarnos historias".

Cuál es el hilo conductor de esta programación, qué has tenido en cuenta como factores esenciales para elaborar el cartel.

El grueso del festival está dirigido a público adulto con propuestas que pueden ser disfrutadas por toda la familia, aunque este año hemos incorporado una obra para los más peques en horario de tarde que tendrá lugar bajo la sombra de los árboles en el Parque de Pradoluengo. También allí ocurrirá un taller de teatro físico y lucha escénica, otra de las novedades de esta edición.

Durante los días del festival, la plaza de toros de Cercedilla se convierte en un fabuloso anfiteatro que acoge, bajo las estrellas del cielo serrano, tres noches mágicas de arte escénico, que este año tendrá a la música como hilo de unión.

Jorge Jimeno, Director del Festival Escena Cercedilla

Se ha incluido al grupo de teatro municipal del que eres director. Cuál es la cualidad del teatro que entusiasma tanto a la gente. Qué le dirías al ayuntamiento que aún no tiene un grupo de teatro municipal de manera estable y consolidado. 

El Festival Escena Cercedilla nace en 2024 alrededor del Grupo Municipal de Teatro La Parrá. Es tanto el interés que despierta este grupo de vecinos y vecinas de Cercedilla y alrededores que decidimos llevar su actuación de verano a la plaza de toros y así poder albergar a todo el público que moviliza. Y ya que transformábamos la plaza en un fabuloso anfiteatro al aire libre, quisimos que el evento no se quedase en una sola noche.

Tengo la suerte de dirigir a este grupo desde 2017 y es una de las mayores alegrías que este oficio me haya dado. En estos tiempos en los que las pantallas nos dominan, el teatro se empeña en demostrar que nada podrá superar la satisfacción que supone reunirnos y contarnos historias, tanto en el escenario como en el patio de butacas. Este grupo, La Parrá, se reúne semanalmente desde hace casi diez años para ensayar y disfrutar del teatro, con la ilusión de compartir la magia que se genera con el resto de vecinos y vecinas, quienes responden de manera masiva cada vez que tienen la ocasión 

Le recomiendo a todos los ayuntamientos que constituyan y apoyen un grupo de teatro municipal: las artes escénicas cubren necesidades humanas difíciles de medir pero fáciles de percibir, además de generar un espacio de encuentro intergeneracional muy interesante para todas las partes.

En qué consiste el taller de “lucha escénica”, ¿parece que el teatro puede con todo, se adapta a todo?

Este año hemos incorporado un espacio de formación a lo largo del festival con un taller de teatro físico y lucha escénica. Ojalá solo hubiera luchas y combates en los escenarios, ese lugar donde reina la empatía y los seres humanos podemos observarnos, a nosotros y a lo que nos rodea, desde otra perspectiva distinta a la habitual. El teatro se adapta y se adaptará a los tiempos para seguir demostrando que lo que nos une está por encima de lo que nos separa. 

Decía la dramaturga y directora teatral Irina Kouberskaya que para amar el teatro hay que ver buen teatro.

Desde luego, el problema está en definir qué es el “buen teatro”. Para mí el buen teatro es aquel que nos permite resonar con nuestra vivencia personal, de manera individual y colectiva. Y que eso ocurra depende de muchos factores que no siempre van asociados con aquello que los críticos culturales consideran “buen teatro”.  

Yo puedo salir de ver una representación de un gran intérprete con una gran texto y una gran dirección sin que nada de lo que allí ha ocurrido me roce. Y por contra puedo ver una representación mucho más humilde que consiga que un cosquilleo me recorra el cuerpo. Y la mayoría de las veces es imposible encontrar una explicación. El teatro tiene algo de incontrolable, de inaccesible, que es justamente lo que permite que nos transforme. 

Y luego además están los gustos personales. Hay gente que vibra con la música clásica y quienes lo hacen con el rock, y en el teatro ocurre lo mismo, aunque la mayoría de las veces nos cueste mucho más clasificarlo. 

En el III Festival Escena Cercedilla vamos a poner todos los ingredientes para que un público muy amplio pueda disfrutar de la magia del teatro en el marco incomparable que nos brinda este municipio, puerta de entrada a la Sierra del Guadarrama. 

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Los indomables movimientos del corazón - La Gaviota. Chejov + Chejov. Teatro Tribueñe

La mente ha de estar acompañada del corazón - Fatum. Emilio Porta, escritor - Editorial Cuadernos del Laberinto

 

Maribel Orgaz @leerenmadrid
En todas las entrevistas o en cualquier recensión de sus obras, se menciona que él denominó AVE al tren español de alta velocidad. Emilio Porta ha dejado atrás el oficio con el que se ganó la vida, creativo publicitario, para dedicarse a su labor de escritura. Ha sido fundador de la plataforma literaria Netwriters, pertenece a la  Junta Directiva de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles, en la que ostenta el cargo de Vicesecretario y de la que es Director de publicaciones y actividades culturales. Es también miembro de la Junta directiva de la Asociación de Escritores en Red. 

Fatum, su nuevo libro, viene a sumarse a una extensa obra de poesía, narrativa y ensayo, entre las que destacan Compás de Espera, Porlock, Anamarel, Tomo Secreto, Diario Despertar, Corales (Premio Blas de Otero 2010), Turno de réplica, Destinos y caballeros, El Amuleto, Alfama, Banderas Rotas y Contrapensamientos.

Cómo reflexionar sobre la vida, y la muerte, de manera profunda y amena.

Pienso que para un escritor la forma es importante, pero el contenido es esencial. La literatura no es para mí algo ornamental, sino que tiene que ayudar al progreso y la mejora de la vida. Todo buen libro tiene que ser una aportación a la depuración de actitudes y pensamiento. Que haga pensar al lector, que mantenga una actitud crítica. Por supuesto, todo ello entraña un oficio y una habilidad para, incluso en temas serios, escribir de modo que la lectura no sea una carga, sino que se disfrute de ella.

Fatum es una mezcla de géneros, poesía, cuentos. ¿Cómo te reconocerá el lector en cada uno de ellos? ¿Tendrá alguna sorpresa?

Sí, alguna vez he dicho que los géneros literarios son una división para facilitar la labor de los bibliotecarios [se ríe]. Es broma; esa división facilita la elección de lectura al lector, evidentemente. En mi caso he escrito en todos los géneros. Creo que un buen escritor, perdón por si alguien piensa que es una alusión directa, debe dominar el oficio y la herramienta, que es el lenguaje. Ser capaz de escribir lo mismo un texto corto que uno más largo, un libro de creación que otro de análisis, un ensayo que una novela.

Ciertamente, cada uno se mueve mejor en su género literario de elección. Yo, modestamente, creo que me muevo bien en todos. Fatum es una muestra en ese aspecto, pues hay reflexiones, pensamiento, algún relato y un largo poema final, que también es pensamiento. Me interesa mucho la filosofía y que un libro ayude, ya lo he comentado, a pensar.

¿Son las humanidades la prueba de que el concepto de progreso, como lo entiende la ciencia, tiene límites en su definición?

El progreso fundamental es el científico. Es el que ha hecho avanzar más a la humanidad. Pero ese progreso produciría solo una sociedad mecánica, utilitarista, y por ello es necesario el arte, la literatura y el pensamiento humanista. Esa labor es fundamental para que el individuo y la sociedad tengan conciencia de la vida y su desarrollo. Que la mente esté siempre acompañada del corazón.

En una entrevista reciente distinguías entre ego y el yo, al hilo del mundillo literario. Parece que la Biblia ya decía que la soberbia es pecado capital.

Hay un texto concreto en Fatum sobre lo que tú apuntas. Sí, considero que el yo es necesario; es un elemento de identidad que nos permite respirar como individuos. El ego, que semánticamente es lo mismo, es lo que yo llamo una superestructura de vanidad que, en muchas ocasiones, es dañina. Rompe el elemento de respeto y cooperación, de reconocimiento del valor de otros, para centrarnos en un estúpido deseo de destacar y de alabanza y «adoración» que, incluso, hace antipático al autor.

Has escrito sobre nuestros lazos con Guinea Ecuatorial, Evuna y Guinea Ecuatorial, vidas paralelas (Ediciones Atlantis) Hace no mucho, Donato Ndongo dejó su legado en una caja del Instituto Cervantes. ¿Puedes hacernos alguna sugerencia de lectura para conocer mejor ese país?

Guinea Ecuatorial forma parte de la hispanidad, no solo de Hispanoamérica. El idioma oficial del país es el español, como se conoce al castellano en todo el mundo, y hay una historia común que debería ser mejor conocida.

Por circunstancias personales conozco bien Guinea Ecuatorial y escribí un libro sobre el país y uno de sus mejores políticos, fundamental en la transición desde ser una colonia española en África a un país independiente. Pero el libro va más allá de su figura. Es un repaso a la historia reciente de Guinea Ecuatorial y su inclusión como enclave de la cultura española mezclada con la africana.

Hay abundante bibliografía de autores españoles y ecuatoguineanos. Recomendaría el libro del profesor Rosendo-Ela Nsue, Historia de la colonización y descolonización española en Guinea Ecuatorial.

Eres de la opinión de que en un trabajo raramente se ejerce el yo y se pueden expresar todas las capacidades. Cómo compensarlo, cómo equilibrar esa limitación.

Desgraciadamente, en el tema de nuestro oficio de escritor, la idea de Ortega de que las circunstancias mandan es aplastantemente real. No basta la capacidad. No basta la vocación. Normalmente, el escritor tiene que hacer frente a lo mismo que el resto de los ciudadanos: el pago de la existencia.

Cierto que vivir no debería tener tanto coste a veces, pero lo tiene. Y para todos, salvo una minoría de ricos herederos, como fue el caso de los poetas románticos ingleses, como Byron, Shelley y sus amigos, todos aristócratas y con la vida económicamente resuelta; la mayoría de los escritores ha tenido que simultanear su vocación y oficio con trabajos en otros sectores y sacar tiempo para escribir de donde no lo tenía. 

La compensación para un escritor es no rendirse, si tiene algo que decir, que aportar, claro; algo diferencial y necesario. Y luchar contra esas circunstancias que, desgraciadamente, no siempre dependen de nosotros.

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La novela negra es el género más dúctil que existe - Amoniaco, Carlos Augusto Casas. Ediciones B

Ser actriz en el Madrid teatral. Del siglo de Oro a la llegada del cine - Maribel Orgaz. Editado por Cuadernos del Laberinto - Feria del Libro de Madrid

 

Este año, en la Feria del Libro de Madrid, he estado con Ser actriz en el Madrid teatral. Del siglo de Oro a la llegada del cine. 

Está editado, y creo que maravillosamente por Cuadernos del Laberinto.

Atestada, calurosa, divertida y llena de alegría. Como es siempre la Feria.

Y aquí tienes las presentaciones de junio.

La entrevista en Onda Cero

La entrevista en Radio Eiberomérica

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Presentaciones en junio

In vino veritas - Borrachos de Iván Viripaev - Teatro Tribueñe

 

Maribel Orgaz @leerenmadrid
Hay preguntas que quizá sólo nos atrevamos a pronunciar en voz alta en la noche y alterados, bebidos. En plena fiesta.

Borrachos de Iván Viripaev se representa, como obra de repertorio, en ese lugar tan especial en la escena teatral madrileña como es el Teatro Tribueñe. 

Qué contacto anhelamos aún, de qué carecemos, ahora que vivimos en la abundancia, en la libertad de las relaciones personales. Hacía dónde deberíamos caminar. 

En una despedida de soltero, en la aventura de un nuevo matrimonio, en el desastre vital de hombres que llegados a una edad nunca se han dirigido a su interior, de quienes nunca se han atrevido a entregarse. 

Rocío Osuna que brilla una vez más, en esta ocasión como Laura, abandonada por otra, por no querer ser madre, por nada y por todo, y que esa misma noche se casa de nuevo en una ceremonia valleinclanisca oficiada por el hermano de un cura católico. 

A este esperpento de unión ante un dios y los hombres, quienes asisten como testigos son los compañeros de juerga, los amigos del novio, ebrios al igual que él y que ella. 

El susurro divino que deberíamos ser capaces de escuchar, las relaciones íntimas que no son más que dominación o extravío, la aceptación del azar en nuestras vidas. 

Erramos por el mundo y nuestra vida mintiéndonos sobre su finitud. A quienes amamos siempre estarán: nuestra madre aún vive; nuestro hermano, víctima de un crimen sin sentido, aún nos habla. 

Entre la grandeza y la miseria, entre el sarcasmo y la ironía, la autocompasión y la soberbia, resolvemos como podemos nuestros errores, nos hacemos propósitos. Amar, creer en una fe. 

Intentamos ser, en una palabra, humanos. 

Dirigida por Irina Kouberskaya, Borrachos conmueve por la belleza de su desesperanza, de la exaltación y alabanza de nuestro profundo misterio. De nuestro incuestionable destino compartido. 

Borrachos

Iván Viripaev

Dirección. Irina Kouberskaya

Teatro Tribueñe

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Los indomables movimientos del corazón - La Gaviota. Chejov + Chejov. Teatro Tribueñe